Мистецтво в античному світі
В античному світі терміном «мистецтво» позначали всю широку сферу майстерною практичної і теоретичної діяльності людей, яка вимагала певних практичних навичок, навчання, вміння і т.п. Тому в розряд мистецтва потрапляли і типові ремесла (теслярські справа, гончарне виробництво, кораблебудування, ткацтво і т.п.), і багато науки (арифметика, астрологія, діалектика) і власне те, що Новоєвропейська естетика віднесла до мистецтва, тобто «Витончені мистецтва» (поезія, драматургія, що виконується музика, живопис, архітектура), мистецтва як концентроване вираження естетичного досвіду.
Античність більш-менш одноманітно бачила походження мистецтва (грец. - techne, лат. - ars) саме в ентузіастіческімі, божественне. Вже грецький поет Епіхарм писав, що все мистецтва походять від богів, а не від людини. Йому вторили і багато інших письменників і мислителів, вбачали джерело мистецтва на Олімпі. Досить поширеною була легенда, розвинена Есхілом, про те, що секрет мистецтв приніс людям Прометей, що викрав його у богів. Серед людей найбільш послідовними і натхненними творцями мистецтв античність здавна почитала поетів, музикантів, танцюристів, які брали активну участь в організації релігійних культів. Вважалося, що вони отримують свої знання безпосередньо в ентузіастіческімі у греків - божественне натхнення, послане згори) екстазі від дочок Зевса муз (звідси - мусические мистецтва), Аполлона або інших богів. Цієї лінії дотримувалася надалі платоновско-неоплатонічна естетика. Аристотель в більшій мірі відносив мистецтво (так само - творчість - poiesis) до людського розуму, складу душі, «істинного судження», спрямованого на творення того, чого ще немає і що не може виникнути саме природним шляхом: «це якийсь причетний істинному судженню склад душі , що передбачає творчість ». Мистецтво доповнює природу там, де природа залишила лакуни, і його продукти рівноцінні природним. Сенека (I ст.) В «Моральних листах до Луцилія», обговорюючи «причини» мистецтва шляхом інтерпретації відомих чотирьох «причин» Аристотеля (матеріальної, що діє, формальної і кінцевої) поряд з п'ятої «причиною» - концепцією Платона про «ідеї», як зразку будь-якої реальної і створеної речі, приходить до висновку про існування однієї головної «причини» мистецтва.
Уже Геракліт досить чітко сформулював основний принцип мистецтва (для живопису, музики і словесних мистецтв) - наслідування (мимесис). Його розробки на прикладі словесних мистецтв присвятив спеціальний трактат «Про мистецтво поезії» Аристотель. Він же згадує тут і про катарсис як результаті дії трагедії на людину, хоча про катартического ефекті мистецтва (особливо музики) знали і писали ще піфагорійці і інші античні мислителі. Фактично естетичному аспекту словесних мистецтв присвячені і численні античні керівництва по красномовству - «Риторики» (зокрема, Аристотеля, Діонісія Галикарнасского, кілька трактатів про ораторське мистецтво Цицерона та ін.). Починаючи з піфагорійців велика увага приділялася математичним основам мистецтва - числу, ритму, пропорції, за допомогою яких деякі мистецтва (музика, поезія) «наслідували» гармонійному порядку Універсуму.
Аристотель розрізняв мистецтва по миметически ознакою: будують якісь нові речі на додаток до природних або наслідують вже існуючим в природі речей. У розряд останніх потрапила велика частина того, що Новоєвропейська естетика віднесла до «образотворчих мистецтв». Римський ритор Квинтиллиан (I ст.) Розрізняв мистецтва теоретичні, які не потребують ніяких дій і зайняті в основному пізнанням (типу астрономії); практичні, що реалізуються в деякому дії і не залишають потім ніякого результату (наприклад, танець), і «поетичні», що створюють деякі твори (зокрема, скульптура, живопис).
Однак найбільш популярним і для античності, і для західного Середньовіччя стало виникло ще в класичній Греції поділ мистецтв на вільні та службові, яке увійшло в європейську культуру в латинській термінології: artes liberales і artes vulgares. До першої групи відносили мистецтва, якими пристойно було займатися тільки вільним громадянам полісу (або республіки), тобто розумові мистецтва і науки; до другої - в основному ремесла, що вимагають додатки фізичних (часто рабських) зусиль. Перші вважалися високими, другі низькими. До останніх, зокрема, відносили нерідко і живопис, скульптуру, архітектуру. Відома одна з пізніх редакцій цієї класифікації, що збереглася в творах лікаря і філософа Галена (II ст.). Високими мистецтвами він вважав риторику, діалектику, геометрію, арифметику, астрономію, граматику і музику як теоретичну дисципліну математичного циклу. Щодо живопису, скульптури і архітектури він вважав, що їх можна було б віднести і до вільних мистецтв. Взагалі з приводу класифікації цих трьох мистецтв в античні часи не було єдиної думки. Службові мистецтва розумілися як чисто утилітарні, а вільні часто потрапляли в розряд приносять задоволення.
В енциклопедичному трактаті Марциана Капели (перша половина V ст.) «Про шлюб Філології та Меркурія» наводиться система семи вільних мистецтв, яка, будучи вдосконаленою Боецієм (кінець V - початок VI ст.) І Кассиодором (кінець V-VI ст.), стала традиційною для західного Середньовіччя. Вільні мистецтва поділялися на «трива» (граматика, риторика, діалектика) і «квадрівій» (музика, арифметика, геометрія і астрономія). До службових, або «механічним» (mechanicae), мистецтвам відносили музику як виконавське мистецтво, живопис, скульптуру, архітектуру, різні ремесла. Таким чином, антична філософія мистецтва не застосовувала в своїх численних класифікаціях і виявленнях «причин» естетичного принципу, хоча багатьом з власне «витончених мистецтв» були присвячені спеціальні трактати (поезії, красномовству, музиці, архітектурі, живописі), проте в них основна увага приділялася системам правил, якими необхідно оволодіти, щоб освоїти ці мистецтва. Визначальним в античності було розуміння мистецтва як майстерною діяльності, що грунтується на відповідній системі правил, навичок, канонів.
Істотно розширив античні уявлення про мистецтво і фактично виявив його естетичний сенс тільки засновник неоплатонізму Плотін (III ст.), Але в пізньої античності він фактично не мав послідовників. На відміну від більшості античних мислителів, які писали про мистецтво, він стверджував, що мистецтва не просто наслідують предметів природи, але «проникають в принципи», які лежать в основі самої природи. «Потім необхідно мати на увазі, що твори мистецтва наслідують не просто мабуть, але сягають смисловим сутностей (logoys), з яких складається і виходить сама природа, і що, далі, вони багато творять і від себе. Саме вони додають до так чи інакше збитковий <свои свойства> як володіють красою »Плотін, мабуть, вперше в античності (до нього про це побіжно говорив в« оратора »тільки Цицерон) свідомо акцентував увагу на тому, що головним завданням таких мистецтв, як музика (її він цінував вище за все), поезія, живопис, скульптура, архітектура, є творення прекрасного; точніше - прагнення до вираження ідеального візуального (або звукового - гармонійного, ритмічного) ейдосу речі, який завжди прекрасний. Краса мистецтва, згідно Греблю, один із шляхів повернення людини з нашого недосконалого світу в світ абсолютний, ейдетичний. Для реалізації цього завдання в живописі Плотін намітив навіть цілу систему правил, відповідно до якої предмети слід зображувати такими, якими вони виглядають поблизу, при яскравому освітленні, використовуючи локальні кольору, у всіх подробицях і без будь-яких перспективних спотворень (пряму перспективу антична живопис знала ще з V ст до н.е. активно використовуючи її в організації театральних декорацій - в «скенографіі», а пізніше і в настінного живопису), уникаючи тіней і зображення глибини. На думку Плотина, тільки таким способом може бути виявлена «внутрішня форма» речі. Через кілька століть ця програма була реалізована візантійським мистецтвом, особливо у феномені ікони, а її ідеї багато в чому лягли в основу естетики та богослов'я ікони.
Мистецтво в християнській культурі
У період італійського Відродження триває більш активний синтез неоплатонических і власне християнських уявлень про мистецтво, що плив в атмосфері почалася секуляризації культури, ідеалізації виникає науки і бурхливого розквіту відділяються від Церкви мистецтв. В теорії починається активний процес виділення в якийсь спеціальний клас мистецтв, головною метою яких є зображення або створення краси, прекрасного, збудження емоційного враження, насолоди, тобто вираз невербалізуемих естетичного досвіду. На цій основі вбачається спільність таких мистецтв, як поезія, література (виділяється в спеціальний вид мистецтва), живопис, музика, архітектура, скульптура. Мистецтво починають відрізняти від науки і від ремесла і вбачають в якості його сутності естетичну специфіку. До середини XVIII в. це розуміння мистецтва закріплюється спеціальним терміном «витончені мистецтва» (les beaux arts), остаточно легітимізованим Ш. Бате в спеціальному дослідженні «Витончені мистецтва, зведені до єдиного принципу». Тут і в наступних працях Бате розділив усе різноманіття мистецтв на три класи за принципом мети: суто утилітарні (службовці для користі людини) - це технічні мистецтва (тобто ремесла); мистецтва, які мають «об'єктом задоволення. Вони могли народитися тільки на лоні радості, достатку і спокою, їх називають витонченими мистецтвами в повному розумінні цього слова - це музика, поезія, живопис, скульптура, мистецтво руху або танцю »; приносять як користь, так і задоволення. Сюди Бате відносить ораторське мистецтво і архітектуру.
З цього часу в європейській культурі терміном «мистецтво» починають стійко позначати саме «витончені мистецтва», що мають головною своєю метою вираженіеестетіческого (тобто акцент робиться на неутилітарності, орієнтації на прекрасне і піднесене і естетичну насолоду).
І. Кант визначає загальний клас витончених мистецтв як «гру, тобто як заняття, яке приємно саме по собі »без будь-якої мети. Єдину мету цього класу мистецтв він бачить в "почутті задоволення" і називає таке мистецтво "естетичним", підрозділяючи його на «приємне» і власне витончене. «У першому випадку мета мистецтва в тому, щоб задоволення супроводжувало уявленням тільки як відчуттям, у другому - щоб воно супроводжувало їм як видам пізнання». Йдеться про специфічний «пізнанні», суть якого Кант вбачає в «почутті свободи в грі наших пізнавальних здібностей» і під «загальної сообщаемости задоволення», саме «задоволення рефлексії». При цьому «пізнавальну» функцію мистецтва у Канта швидше слід розуміти як «прозревательную» - мистецтво як «одкровення». Сфера, що відкривається мистецтвом, - це сфера трансцендентальних ідей, що не пізнаються концептуально, а є свідомості безпосередньо, поза формалізованого дискурсу. Цей момент буде згодом розвинений Хайдеггером (зокрема, в «Джерело художнього творіння», 1936) і іншими мислителями ХХ ст. Посередником, що здійснює такого роду одкровення за допомогою витончених мистецтв, може бути тільки творча активність генія.
Гете вважав мистецтво твором людського духу, що наслідує у своїй діяльності природі, і в цьому сенсі також - і твором природи. Однак завдяки тому що розсіяні в природі предмети гармонізовані в мистецтві духом художника так, що «навіть низовини з них набувають вищу значення і гідність», то художній твір безсумнівно «вище природи». Тому художник одночасно і раб природи, бо змушений діяти земними засобами, щоб бути зрозумілим, і її пан, оскільки він змушує ці земні кошти «служити своїм вищим намірам». Так само високо цінував мистецтво і Шиллер, який безпосередньо пов'язував його з красою і грою, вважав його сутнісним компонентом «естетичного держави», основний закон якого «свободою давати свободу». Фіхте був переконаний, що мистецтво на відміну від науки, яка формує розум людини, і моральності, яка формує «серце», «формує цілісної людини», він звернуто до розуму або серця в окремо, але до всієї душі в єдності її здібностей, « вводить людину всередину себе самого і має в своєму розпорядженні його там як вдома »; точніше: «воно робить трансцендентальну точку зору звичайної».
Таким чином, розвиток мистецтва відбувається в рамках динамічних змін всієї культури. З'ясування закономірностей динаміки художньої культури - одна з актуальних задач сучасної культурології. Але скільки б не намагалися вчені осягнути мистецтво, в ньому завжди буде залишатися якась таємниця, яку неможливо охопити тільки раціональними методами. Як невтомний "Кастальский ключ", воно дарує художникам "хвилі натхнення", радуючи нас своєю непередбачуваністю.
Список використаної літератури.